¡Oye Arnold!, La película [2002]

¡Ya tenía mi buena temporada no de publicar ni pepas!: cosa de trabajo, estudios, hobbies desmedidos.. pfff hay que hacerse el importante alguna vez ¿no? no quiero que este Blog sea otros del montón, de esos que dejo inconclusos, inacabados, y muy, pero muy desestimados. En fin, hice una reseña hace un par de días -no sin ser el mayor aspaviento- puesto, que todavía estaba saliendo de ese “truño” de actividades, que se estaban haciendo algo pesadas. A modo de relax aquí les traigo para aquellos, más o menos de mi edad (no la diré… soy todo un misterio jaja) una pequeña reflexión de una de las pelís que manducamos allá por el 04,05 o 06… y con ella los posteriores años. Sin más preámbulos…

Película animaba basaba en la serie original, Oye Arnold de Nickelodeon. La película fue lanzada para la temporada 5, donde no quedaba poco para que la serie se desplomase y su continuación se cancelara para abrir espacios a nuevos programas, que sin lugar a dudas el único apelativo que muchos de estos merecen es: ‘Cagada prefabricada’. La película no es obra del director original de la serie, Craig Bartlett, ya que por motivos de discordancia, Tuck decidió con el permiso de Craig lanzar esta movie, conservando, claro, los patrones de animación originales, o considerados como los más fidedignos. Por ende, tenemos la animación prosaica de ¡Oye Arnold! No cambian ni las voces ni la apariencia medida de los personajes.

Ya se imaginaran lo que pasó con DBZ y estruendosa batalla de los Dioses. Pero, esa es para otra ocasión.
La trama se desenvuelve cuando Scheck, empresario corrupto y arribista convence a la alcaldesa de la ciudad, en darle su afirmativa en la demolición del vecindario, a cambio de una remuneración “justa” hacía los habitantes. Shechk pretende crear un lujoso centro comercial, apegándose a un dilema dialectico que inquiere lo siguiente: “Sale lo viejo, entra lo nuevo. Yo he visto el futuro, y está en industrias futura” esta pequeña sentencia ética es la clásica máxima de los sistemas económicos capitalistas, donde la inflación de terrenos potables es tan indispensable que la empresa privada tiene que hacerse el macroempresario adueñándose tras injustos precios y tasaciones, de dichas urbanizaciones, con el fin de ventas aseguradas. Me gusta esa típica crítica a los sistemas degenerados, a través de la unión y fuerza colectiva.

Como bien dicho, el vecindario liderado por Arnold y Gerald luchara contra muchas vicisitudes en la búsqueda de un documento que declara al vecindario como monumento histórico, debido a la guerra de los tomates contra los ingleses. Historia contada por el abuelo de Arnold, que se va destramando en el trayecto pertinente. Se ven rasgos realistas en la empresa, como el desencanto de un conductor de bus por lo “demás”.

Quizá ese es un punto destacable, donde la mayoría de personas en su querer y prorrogativa de ayuda, se ven inmersos ante el dolor personal, que no los deja apoyar las causas nobles: salvar el vecindario.
Hay varios homenajes en la película, el principal es a los hombres de negro, cuando se arma la secuencia de espías entre Arnold y su fiel Gerald. Una virtud de la que cuenta el metraje, también es sobre los ideales del joven cabeza de balón: ante los declives de vender, hasta de su abuelo (Parcialmente), se ve en la lucha como se enfrentará sólo con sus ideales, y con el mentado Gerald, y una ayuda externa bajo identidad secreta de “Voz Ronca” que es Helga. Helga también se ve envuelta en un dilema moral, sobre negar los planes de su padre Bob, que es socio de un futuro emporio de localizadores. Este dilema es hacerse millonaria a costa de otros, o simplemente ayudar a Arnold.

Lo que me gusta de este tipo de películas es su mensaje hacia la hermandad humana y la solidaridad ante las causas nobles y benéficas, sin motivo de altruismo incluido. Ya que en cierta parte eso es la vida, un potrero de indiferencia ante todo lo ocurrido, donde nadie se deja por otros, y donde otros no se dejan por nadie. Interesante y divertida, como añorada producción del joven que siempre tiene un solución para todos y todo.

Cartel original

Sólo por hoy no pongamos nota, ¿eh? se me portan bien.

Salvador Salazar Arrué: “Salarrué” – Cuentos de Barro [1933]

“Güelva luego, caraja, si no quiere que la tundeye como ayer”

Vaya, vaya, vaya. ¿Qué podemos decir que no se haya dicho ya de Salarrué? Y mucho menos de su obra zenit: “Cuentos de Barro” salidito en pleno martinato. Cuya oposición nunca fue del todo clara por parte de Arrué; sin embargo, su “parcial” encanto con ésta no cundía a fines personales, sino más bien culturales. Salarrué fue uno de los escritores más comprometidos, por no decir el mayor, de la historia de la literatura salvadoreña, y uno de tantos creadores de estilos: Estéticos, narrativos y reformadores de las “prosodias vernáculas” Salvador fue reconocido en varias partes del orbe por su inmaculada pluma, carismático talante, e irreprochable talento. Hasta el día de hoy “Cuentos de Barro” a la par de “Cuentos de Cipotes” siguen siendo los libros más leídos en El Salvador.

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Y no es de sorprender, como a varios en el colegio nos dejaron leer este libro (Aquí entre nos, yo nunca lo leí) Hasta hace poco que le hinqué los codos con asiduidad, y descubrí que no era una de aquellas aburridas y caliginosas obras costumbristas que tratan de enaltecer valores y recursos vetustos; un poco pasados en boga, y poco divertidos. Es más se me hizo una constante y atrevida aventura. Pero, para aquellos que aún, por las mismas razones que yo ó 100 personas más, tuvimos o tengamos, daré un pleno repaso de lo que nos desvela este monumento histórico y de gran valor literario.

¿Por qué es tan popular “Cuentos de barro”?

Quizás porque es un libro fundamental, antiquísimo y polifacético en su extensión. Puesto que su narratología es auspicie de historias entrelazadas donde sobresalta el tema central y único “El campesinado Salvadoreño” sus andanzas, venturas y odiseas. Tranquilos/as, que yo sé que no a todos les llama la atención esta temática, pero seamos un poco pacientes, si la hojeamos con detenimiento no resulta tan pesarosa y poco didáctica. Aquí un poema de Roque Dalton, referente con este dualismo de interés:

“Imagináoslo un solo instante:

No me gustan los ricos -murmuró Perry Marson-… Me gustan los pobres.

-¿Por qué? –Preguntó la secretaria, interesada.

-Malhaya si lo sé. Los ricos se preocupan demasiado y sus problemas son ridículamente insignificantes… la gente pobre tiene conflictos sobre cosas más reales: amor, hambre, crímenes, falsificaciones, desfalcos. Cosas en las que un hombre puede clavar los dientes, cosas con las que uno simpatiza.”

Interesante, ¿no? Creo que con esta prospectiva tenemos que leer “cuentos de barro” no la de odiar al “rico” por ser rico, sino, la de sensibilizarnos por las personas que su vida es una constante lucha, una mordaz sobrevivencia y una hazaña heroica: El campesino, los trabajadores: obreros; la clase proletaria, y su fenómeno en general. Ahora bien, ya una vez advertido un poco, vayamos al resumen de esto.

   El libro cuenta de relatos –como ya dije hasta la extenuación- del sector salvadoreño campesino, rural y pobre. Acerca del velamen, destacar los temas centrales, como: Las creencias, guiadas de las supersticiones de nuestro pueblo como “La Ziguanaba” y su historia de venganza, los entredichos con los animales agoreros (Un ejemplo de esto está en el relato de “El mistiricuco”) y también, ese devenir catastrófico y apocalíptico con aves de malagüero, brujos y adivinadores (Efectivamente en el penúltimo cuento “El Brujo” se ve esto), las casas embrujadas, y tipologías de esta rubrica; otras, como “La muerte” están más que presentes, este sería uno de los temas básico en la literatura de Arrué: cuentos como “El entierro” y “El Sacristán” con esos aparatajes místicos (La Teosofía de Salarrué)

Por extensión, también contamos con una densidad y riqueza lingüística, un lenguaje académico polinizándose con la habla coloquial del pueblo; entonces, es aquí donde se crea esa simbiosis evolutiva, esa trascendencia tan destacada y prolija que hace del artista salvadoreño uno de los más influyentes e incontestables figuras de la literatura centroamericana. Y no es que este recurso ya haya sido utilizado antes, tenemos algunas referencias claras en su estilo, como lo es en Arturo Ambrogí, con ese lenguaje tan denostado para “los intelectuales” y hay una gran polémica sobre este asunto, ya que en un principio esta corriente costumbrista era vista como letras de segunda clase, que no podían ser equiparables con otras literaturas: Dostoievski, Verne, la poesía de Quevedo o Vallejo, por mencionar algunos ejemplos; y en mi entender, no hay porqué despreciar este tipo de “letras”, eso sí, su carácter personal es indistinguible.

¿Qué diría salarrúe de esto?

“No me preocupa que mi obra sea reconocida universalmente, me interesa que la reconozcan mis paisanos”

Y te reconozco, Salarrué, te reconozco. y vaya que soy uno de tus paisanos. “Objetivo logrado” jajaja.

Otra y pequeña fisura que se me escapa, sería su contorno y atmósfera; es inabarcable, así que iré deshilvanando lo más que pueda: El viento, los lagos y los volcanes: por veces logramos leer esa carga poética agregada (Los elementos naturales), lo veo como un plus a sus narraciones, ya que cuenta con un aire desentonado, airado y decoroso, que con los pequeños fragmentos prosaicos hacen una fundición muy llamativa en su “poesía-narrativa” el lenguaje también es un alimento nutritivo para los “paisanos” es gracioso y educativo ver con que fidelidad este señor, Salarrúe, puede transportarnos justo de lleno a una alberca donde “dos cipotes se remojan”, una milpa, una catedral llena de devotas abuelas, un patio traspuesto, un cura rural, un gallinero, todas esa juventud jugando al “escondelero” a “la mica”, los consejos de las dueñas de tiendas, los refranes populares los dichos…. ¿Ah, qué más? Toda la esencia de nuestros orígenes…

Eso, quizás puede llegar a tocarnos y claramente identificarnos con este compendio o trabajo artístico.

Llamaría a “cuentos de barro”  una obra fundamental y pieza ÚNICA para nuestra cultura, y su traducción a otras lenguas, perdónenme la expresión, sería una completa estupidez. Aunque en fechas anteriores leí que un traductor, Nelsón López se animó a sacar una versión en INGLES  y esto hace que me trague un poco mis palabras (Mis respetos, para este arduo esfuerzo y esa arriesgada y laboriosa maniobra artística) de cuentos de barro; así es: “Tales Of Clay” suerte, y aplausos, porque yo lo creo imposible aún.  Y tal vez se pueda traducir en palabras y oraciones, pero nunca se traducirá en esencia. No quiero ser egoísta, para mi la  literatura es intraducible.

¿Qué más puedo decir?

“-no me creya egóishto, compañero, la flauta no tiene nada: soy yo mesmo, mi tristura…. La color  -“

 Nota:8.2

La Bella y La Bestia (La belle et la bête) – Jean Cocteau [1946]

La Bella y La Bestia (La belle et la bête)[1946]

La bella y La bestia es una película dirigida por el director francés Jean cocteau, adaptación cinematográfica que esboza y clarifica el viejo cuento europeo de bella, hermosa mujer “cenicienta” y bestia, la horripilante criatura del castillo. La historia ha sido llevada tanto al cine como a la ópera, televisión, cortos, mini-series (Aunque sería raro detallar un dato tan simple, “aparantemente”), historietas, nuevas re-re-re-re ediciones, figuras para niños y demás parafernalia asociativa, hasta ropa (Bueno).

Alejándonos un poco del cuento original y centrándonos más en la adaptación de Cocteau, he de informarles que la película hasta el día de hoy ha sido viruta y aclamada obra de todos los tiempos; muchos citan el más transcendental precedente cuanto adaptaciones y obras de esta índole. A juzgar por su aparición y maquillaje (se dice mucho que esas melenas y trajes tardaron 5 horas en la realización y amoldamiento) la película desvela, sino bien un punto de inflexión en cuánto a estética y lirismo, pero si un esfuerzo y magnifica culminación (Y no hay que mentirnos y agazaparnos ante la idea que una película no tendré, a lo largo de sus añales y cimientos, una diatriba y encomia “reseña”)

El filme abre con unas pequeñas “advertencias” si se puede decir de esta manera. Esas advertencias son llevarnos a un mundo fantástico, aunado de sueños y privilegios que nos son limitantes en nuestra realidad, y que al igual que un niño sueña en superhéroes y sus más grandes deseos infantiles, la película nos inquiere este “modus” exigiendo una visión (Dada por Cocteau, claro está) con cierto aire de despreocupación y bonachona actitud.

La película está dirigida en Francia (No siempre los directores ejecutan sus obras en sus países natales, más cuando amanecen o perecen en el manto del olvido) Ambientada en el Siglo XVll. He de mostrar las más sinceras emociones y imprecaciones ante la idea de un vestuario muy fiel, y que hoy en día nos parecerá ridículo, más si es transcurrida en una mecánica de Blanco y Negro. A la postre “Es una pelí noña  -Pensaremos- (No se preocupen yo también lo pensé en todo momento), está en blanco y negro, es sobre princesitas y esas cursilerías. Qué más da, yo no veo esa MIERDA” Tranquilos, hay espacio para todo, no se me vayan a alborotar jajaja.

Pero, para eso tenemos las advertencias de “Cocteau” y tal vez sea un ejercicio propositivo y a ver que sacamos de esto. 

 Un mercader en quiebra vive con su hijo Ludovic, y sus tres hijas: Felice y Adelaide (más o menos las brujas de nuestro cuento de hadas) y la adorable “Bella” que es la como la sirvienta de la casa, de la que se aprovechan sus dos egoístas y superficiales hermanas (Que se sienten como princesas en un castillo sin gobierno ni reino) y claro, no nos olvidemos del apuesto mozo “Avenant” el enamorado o acosador (Prefiero éste último) pretendiente de “Bella” Todo se desarrollará en un ambiente sencillo de facundias escenas, sub-tramas, pequeña dosis de comedia, otra de tragedia, y elocuentes y “barrocos diálogos” no sin ser una vil porquería, reviven muy dignamente la enjundia del relato europeo.

Después de malas negociaciones, una bicéfala deuda –Una por parte de Ludovic y otra por parte del Padre- La familia tendrá que verse en la dura necesidad de vivir “En el peor castigo” para Felice Y Adelaide; una viva humilde y desproporcionada de todo lujo, riquezas y caprichos. Pero, antes de eso, en medio y sabiendas del destino familiar, el Padre irrumpirá en el bosque, y las largas ciénagas y cálidas estepas de las localidades del Castillo de la Bestia, para coger una rosa a la llegada de bella.

Bella es tan espiritual (simbólicamente es narcisista, peor no se da cuenta en estos momentos) de una alma noble y pura, trabaja y es la única interesada por el destino, tanto de sus hermanas como de toda la familia. Ella ama a Ludovic, pero su deseo irrecusable por estar junto a su pobre padre le impide que ésta conceda ante las peticiones quijotescas del galán de turno. Esto lleva a que bella se limite a una vida de trabajo, una vida de entrega por los seres queridos, y hasta por los que falsamente utilizan su cariño para fines maquiavélicos y pérfidos intereses comunes. (El caso de las dos burras de hermanas que tiene)

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Bestia, un aparente energúmeno sin sesos, exclama con futuros oprobios y soliloquias palabras al padre, que ha horadado su jardín fenicio y mágico: “Pudiste haber cogido cualquier cosa de mi castillo, lo tiene todo. Pero, elegiste coger una rosa de mi jardín. Eso amerita sentencia de muerte” (Estoy parafraseando a nuestro poeta iracundo lo mejor que puedo. En realidad no encontré la cita y mi memoria no es tan eidética, pero ahí esta alguito. Disculpas para los más exquisitos cinéfilos)

Esta sentencia de muerte conlleva a que el padre tomo inmediatamente una de dos opciones: Morir por “el atroz crimen” o que una de sus hijas para dicha deuda. Por Dios, es que esta bestia no es tan bestia de lo que creíamos: tiene un sentido del orgullo y el honor animalesco por las nubes. Es aristócrata y de andar catedrático. Y ni hablar de su vestuario, ¡Qué Elegancia, señores/as!

Justo en ese momento es cuando se va desenvolviendo nuestra mágica-fantástica historia: llena de recursos (Que obviamente en efectos cubren como culminantes montajes para su época) y deseosas e inoportunas (A veces fatídicas) situaciones limitantes. Esto quiere decir, por consiguiente, que aquellas sub-tramas cunden ante la trama principal de comienzo.

Frustrados y enojosas son los sentimientos de lar hermanas cuando su padre al volver cuenta lo ocurrido. Bella, como su argucia y ánima beldad la lleva a sacrificar el todo por el todo, su vida por la vida de los demás (¡Vaya! Siempre las buenas intenciones tienen que respaldarse en los miedos de los algunos cobardes. Hermanitas esas que tiene) va donde la bestia, decide ir a afrontar una situación que la puede (Pero, ella cree que no) costar la vida. Y aquí nace aquel narcisismo que les hable entre llaves, o tal vez, sea seguridad, vaya usted a saber.

En los próximos días, Bella tendrá que convivir con el monstruoso ser antropomorfo, y descubrirá que la Bestia no sólo tiene garra, copioso pelaje, horrible rostro y fiera mirada; sino un alma lozana, hambrienta de amor y cariño, que sólo Bella (Como siempre de bella) descubriera. La convivencia se basa en las siguientes rutinas:

1-   Bestia (Enamorado por el primer encuentro con Bella) está a merced de la linda muchacha. Todas sus órdenes serán concedidas. Y no hay quien rechiste por esto. Ella ha dejado una vida donde era sometida por el yugo de sus ególatras hermanas, y ahora esta vida en un palacio, no con un príncipe precisamente, “perijoyada”, cómodos aposentos, largos y solariegos vestidos de ensueños –serían los más codiciados por sus hermanas- y también un hogar donde la comida reina, hay un largo y sano esparcimiento por las bermejas estepas; será el cambio radical de su vida limitante y de clase baja.

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2-   Bestia siempre llegará a las 7 P.m al catillo, dejando a Bella sola todo el día. Él nunca revelará sus idas, y sus largos viajes a Bella, porque en realidad, como su naturaleza le impide ver a los ojos a la joven, él tiene instintos básicos como la carne. No es un caníbal, debido que es una dualidad entre hombre-bestia. Bueno, algo caníbal es.

3-   Bestia todos los días preguntará a la joven sobre su casamiento: él le ha propuesto que se junten en matrimonio (Ella, obviamente por su figura lo recha acerbamente, pero con el tiempo se dará cuanta el cariño que le ha cogido) ella repondrá siempre un rotundo e innegocible: ¡No!

 Al otro lado de la costa, en el anterior hogar de Bella, el Padre se muere. El destino le ha reparado en una condenada a su hija, cuando en realidad él, el pobre anciano, se siente culpable y desfallecido ya que cree en la impronta muerte de su hija. La bestia le ha irradiado mucho terror para sus adentros, y bueno, ahora para su salud y condición, y no puede evitar estar apoltronado con porfía y un deplorable estado. Y para todos es igual, menos para su pretendiente (Aunque, yo le siento algo fingido “su cariño” hacia la joven rehén) que decide resignarse ante la idea de que bella ha sido devorada.

Cuando Bella se entera de la presunta enfermedad de su Padre le pide a la Bestia que le deje ir con él, ”porque su felicidad sin su padre no existe” y claro, el espíritu de la bestia se quebranta sin la sonrisa y la serenidad de Bella. Hacen un pacto, un compromiso. “Ella tendrá que ir con su padre, peor al cabo de 1a semana regresará al castillo con Bestia, si no, éste morirá de amor” Vaya promesa de dolor y atrapante sentimiento que lleva a bestia a ser condescendiente y cariñoso con la joven. El mitad hombre mitad lobo (U oso o perro algo vodevil) rebelará los mayores secretos de su poderoso castillo (A parte que tal edificio mayestático cuente con brazos que sostienen antorchas y estatuas que todo lo ven) Bella sabrá sobre las riquezas recónditas, interdicciones y prohibidos retruécanos y profecías que se fundirán: Una llave que abre el mausoleo de oro, platería y joyas; un guante que transporta al sitio pensado una vez puesto en la muñeca derecha (O izquierda no me acuerdo. Perdonen jajajaja)

Sin embargo, la joven sin querer queriendo falla ante la promesa, mediante a las estulticias de sus hermanas ha que se quede en el hogar  para seguir siendo sirvienta y esclava de ellas. Las joyas y los vestidos de Bella efectivamente han sido envidias y calenturientas miradas recelosas para la nueva joven “aprincesada” La bestia no mentía, ahora se está muriendo de amor. Ella lo logra ver por el espejo que se lleva en un caballo perteneciente de la bestia (Un caballo que le dices: Ve a donde yo voy) y él atiende fielmente.

Pero, dejemos los detalles, por la homogeneidad que se va esculpiendo a medida que avanza el metraje. El padre recuperado, las hermanas con su comitiva, el pretendiente con sus impetuosos deseos de averiguar los secretos de la bestia, y bella que ahora enferma y se siente a morir por fallar a las palabras honestas y troníos del animal. Bella regresa al Castillo y la bestia muere en una costa de un riachuelo. Por otra parte el pretendiente y el hermano de Bella irrumpen de igual manera en la propiedad monárquica para robar las riquezas de la bestia (Gracias a las hermanas robaron la llave y ahora quieren allanar la casona) que ahora sucumbe ante el dolor y la traición.

El pretendiente antes de entra a una habitación custodiado por figuras de mármol, estatuas, cupidos y figurines es traspasado por una fecha por una de las anteriores piezas “inmóviles” al cabo se cae en el oro y se convierte en la bestia, y la bestia se convierte en un apuesto y atractivo príncipe. Sí, si, si… ya sabemos lo que viene se queda con bella, el malo (aunque sería el muerto) al hoyo y el vivo el bollo. La historia termina con bellas escenas y un lenguaje visual encantado. Vuelan (literalmente se van volando) y su amor también con ellos irriga en el cielo un puro y exultante amor.

Bueno, no he sentido malestares así que no me puedo quejar. Y les confieso, es le primera pelí de cocteau que veo. No está mal, nada mal. Ya para terminar la reseñita, sólo me queda por decir, amigos y lectores; que no hay falta de creatividad en cuanto a valor fílmico, no hay relleno ni nada por el estilo, tampoco es la obra cumbre que muchos me habían recitado, casi en versos cantados. En fin, de seguro se divierten si le dan una oportunidad. Ya tenía tiempo de zángano y no invadir la colmena con una novata reseña de las mías. Véanla, de seguro no los decepciona.

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Y como dijo Greta Garbo después de ver la función: “¡Denme a la Bestia!”

Nota: 7.8

Charles Baudelaire – Las Flores Del Mal [1857]

Baudelaire fue uno de los grandes escritores franceses dueño e imperantes figuras cónicas del Simbolismo, junto a Verlaine, Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud fueron señalados y catalogados como “Los Poetas Malditos” muy asociado al movimiento Parnasianismo y Decadentismo que partía de una aura del “Culteranismo”. Todas estas corrientes enfaruscadas en tratar de reflejar una visión más real sobre la vida y con carices más sórdidos de los habituales en la poesía romántica o medieval.

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Sí es bien sabido hoy en día, no se conoce a plenitud la obra de Charles B., sin duda las flores del mal, el cual lo hemos leídos gozosamente y sin pestañar en un día, me ha traído una experiencia alucinante y despótica, con las manos abiertas y ojos bien prendidos hemos contemplado unas de los obras, sino caigo en el error, más grandes y ejemplares, a la vez una de las principales y primeras del simbolismo.

 Con una gran influencia, obviamente de otros escritores como el mítico “Allan Poe” Baudelaire nos muestra que su pluma no debería de ser desatacada y desdeñada fácilmente; lo que supondría un punto de inflexión en la nueva y “epicentrica” poesía sucia y degenerada de las nuevas letras.La obra consta alrededor de 151 poemas, de lo cuales en las primerizas ediciones de Flores Del mal, muchos de éstos serían censurados y penados por el gobierno napoleónico, con sucesivas sumas de hasta 2.500 Francos; un dineral en aquellas épocas, para hacerles una idea era lo que anualmente ganaba un funcionario al servicio en sueldo medio. Sin duda una barbaridad.

En aquellas épocas los escritores o poetas sufrieron mucho de esta pena: los hallazgos científicos, tratados filosóficos, obras de terror, todas y muchas más fueron condenadas por de ser una causa letal para el orden establecido; sí, a muchos no les gustaba que se pervirtiera la moral, la religión, es estado y hasta las creencias (Dominados por la iglesia de aquel entonces) en fin, un “sinvivir” de los más repugnante.¿Qué podemos decir de la Obra?ndudablemente, como fue dicho antes, que el estilo menos prosaico, más “libertino”, suelto y algo extravagante hizo muchos cambios a niveles históricos para la poesía, ya que Baudelaire resaltaba de una manera “sucia” y sin muchos tapujos: Las pasiones, los vicios, el satanismo, el erotismo, la desnudez, los placeres humanos ante todo, el sufrimiento enardecido e insoportable, la denuncia hacía el ser humano mismo, y el extravagantísimo.

¿Por qué? Pues, porque sus pequeños conturbados y torvos poemas gritan por sí sólo: “No Somos Poesía Romántica, esto infectara tus sentidos” y así se lo propone. Aunque, claro, como siempre un escritor no puede nacer de la noche a la mañana, en su estilo literario, Charles muestra una gran influencia del arcaico poemario enfocado en estructuras en prosa y rimas del romanticismo, aunque éste solo le es útil para su texto y no su contexto.Lo fascinante es que cuenta con esa visión sucia y desprolija que se tiene del ser humano, aplacándole una sarta diarreica de estrafalarias “impurezas”, como un ser de pasiones y vicioso por naturaleza, con una desgarbada figura que ulula los cimientos de cualquier ortodoxo lector de poesía.

Como siempre, esto se considera revolucionario, ya que sirvió a lo largo de los anales que no sólo existía el “Amor (aunque es un punto muy importante para el escritor), las cantoras y risueñas golondrinas, los inalcanzables y vetustos castillos de mármol. etc, etc” la muerte, la perdición, la injuria, la impotencia y es rechazo cerval son tópicos que salpican todo el contenido, sin dejar títere con cabeza.Aunque todo esto cuente con un lenguaje críptico, zigzagueante, metafórico, resulta de mucha concentración tratar de “ver lo que hay” ya que en el simbolismo, una de sus principales características es crear ese ambiente inentendible y encofrado en términos arcaicos y abovedados en hermetismos muy complejos que necesitan de un 100% de concentración para seguir, por lo menos, el hilo de el fraseo y no terminar y en la vergonzosa situación de  “Leer Por Leer”, aunque ustedes tremendos lectores y devorados de miles de libros, lo sabrán más que nadie.

Los poemas son cortos, se dividen en 7 partes: “Al lector”, “Spleen o ideal”, “Imágenes Parisinas”, “El vino”, “Las Flores Del Mal” (En esta parte se muestra una histérica severa), “Rebelión” y “La muerte” Según Charles B. y muchos estudiosos de su obra, el libro cuenta con una sucesión y no cae en los estantes de “Simples Compilados” en éstas parte se descifra una historia y se desenvuelve una atmosfera pasional y hedonista. Sin duda muchos de sus poemas me abrumaron a un nivel escandaloso y para no ser tan renuentes y aburridos, les quiero dejar, sólo un pequeño poema de éste gran escritor francés:

“El Aparecido”

Como los ángeles de brava mirada,

Volveré a tu alcoba y me deslizaré hasta ti sin ruido

Con las sombras de la noche;

Y te daré, morena mía, besos fríos, como la luna,

Y caricias de serpientes arrastrándose en torno a una fosa.

Cuando la lívida aurora venga,

Encontrarás mi lugar vacio y hasta el anochecer seguirá frio.

Como otros por la ternura,

En tu vida y en tu juventud,

¡Yo quiero reinar por el terror!

Increíble ¿no?.

Sin duda que Charles Baudelaire fue uno de los principales engranes de éste tipo de fascinación por la sordidez y la soltura, que jugo por mucho tiempo con los dogmas más férreos de aquellas intransigentes épocas. Y hoy sin duda, le hacemos un pequeño homenaje a este envenenado escritor que junto a sus “Flores del mal” creo una noción, que pocos lograron aceptar, y que hoy en día se sigue teniendo desde lejos sus escritos.

Nota: ¡Iracundo 10 sin protestas para el francés!

El guión Cinematográfico, un halo más allá de las técnica del cine.

El auto argentino, Ulyses Petit de Murat fue uno de los grandes impulsadores del cine argentino. Se consolidó por un catalogo de obras fílmicas que extendía más de 4 décadas de arduo trabajo y desempeño en su área. Hombre de actitudes prácticas que sé capacitó en los campos de la Literatura y Poesía. Para que se vayan dando una idea del tipo que era.  Y también es el creador de la obra “El Guión Cinematográfico” lanzada a la venta el 3 de diciembre de 1954. Algo añejo, ¿no?

A pesar de ser un libro de casi 5 décadas de historia, nos relata cosas muy interesantes y atrapantes en la afanosa lectura que desvelan sus páginas. Aunque muchos se preguntarán, ¿Para qué demonios quiero un libro  -Quizá los únicos aficionados cinéfilos contractuales que les gustan pinchar todas las rarezas habidas y por haber no tendrán que recibir ninguna advertencia de tal magnitud- que cuenta de técnicas, recursos y valores fílmicos de los años 50s?. En mi pequeña elucubración y pesquisa teórica, considero éste libro como una fuente informativa muy amena e intrigante en varios puntos de vista: nos remontan al pasado con una visión actual en casi la mayoría de sus pasajes; pero, como el libro cuenta de teorías y extensiones especulativas de “Las mejores formas de crear cine” o siendo un poco más puntualizados, “Crear el mejor guión posible” Sí bien esto resultará trabajoso y de alguna manera muy forzado a la primera abstracción del libro, aunque lo importante es cómo se veía el cine en ese época.

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Las primera preguntas que se nos vienen son ¿Estamos tan lejos de esa realidad? ¿Acaso en aquellas épocas existían películas del mismo contexto actual en cuestión de realización y atracción? ¿En aquellas épocas sólo se hacía cine de “Culto”? ¿Qué revela Murat en sus escritos? Bueno, no hay que comer ansías he ir paso a paso.

Quizás muchos hoy nos preguntemos cómo eran las cinematecas en los años 40s o 50s (y para alguien como yo le sería casi imposible poder explicar esto sin el internet) aunque hoy la red está aparte, ya que tenemos un recurso con el cuál ella no contaba “El libro” y éste nos cuenta y nos monta en la realización del cine… “Hermanos Lumiere”, “Geroge Melies”, cortes de animación a principios del siglo XX en Francia etc, etc , etc. Aunque nuestra primera pregunta no quería saber esto, así que vayamos a sintetizarla lo más pronto posible.  No creo qué estemos tan lejos de lo que se hacía antes, bueno indudablemente que todo a crecido muchísimo; La producción es infinitamente más alta que antes, el Tecnicolor se ha fermentado en Hd y altas definiciones, Ha salido El “3D”, Las historias son cada vez más reales y envolventes, el maquillaje ha llegado a un punto de éxtasis completo, la digitalización de las películas en diferentes formatos han hecho un alcance casi impensable y severo; Las computadoras han creados dibujos animados nunca antes realizados con tanto virtuosismo.

En fin. Los detalles técnicos son superiores por mucho, y entonces ¿Por qué decimos que el cine no ha paso por un cambio inmenso en estos últimos 50 años? Admito que en cuestiones de realización mi afirmación sea nula, tonta, burda y de poca lucidez, pero más allá de la increíble mejora en aspectos dimensionales, tecnológicos y sonoros, el cine (De todos los tiempo, aquél inmortal que nadie lo vence) siempre ha tenido una cara implosiva. No ha cambiado “la idea” sólo ha mejorado su contorno, su aspecto y su manifestación. Pero siempre tenemos “Cine para vender”, “Cine para pensar”, “Cine de animación”; la mayor parte de películas de terror son secuelas perdidas de los años longevos, la idea se ha perdurado tanto que no ha cambiado el esqueleto de cómo ver el “cine” ; las comedias se han vulgarizado en el cine hollywoodense; el Western sólo a tratado de masturbar a grandes como Wayne. Me punto central es que el cine ha permanecido cómo tal. Y creo que será algo complejo tratar de entenderme y mas si no me explico de la mejor manera.

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A pesar de estos cambios, hoy rara vez notamos la idea central de antes, de manera distinta “Entretener, Difundir un mensaje y una visión”. Y esto es lo principal que no ha cambiado. Pero, es cierto, sin ésta idea el cine no sería cine.

Quizá con la anterior respuesta ya hemos respondido la siguiente pregunta. Hay mucho cine malo, siempre lo ha habido y lo habrá eso es innegable; en todos sus géneros, expresiones y colores. Quizá suene simbolista, pero ese es mi punto. La idea central, a la que me refiero constantemente es esa. “El cine no ha dejado de ser cine” no a apartado completamente su ideal (Quizá éste hoy un poco más pateado) no se han excluido géneros noveles y de carácter incipiente; no se a censurado el mudo del todo; no se han aparatado las sublimes composiciones y demás parafernalia. Ojala que me logré explicar para no llegar a malos entendidos.

Entrando de lleno. Murat nos deja entrever muchas efervescencias de condición “visuales/teoricas/drámaticas” Exponiendo los niveles de un Guión, su extensa realización y sí éste aspecto característico es imperativo o subyacente. ¿Qué tan importante puede llegar a ser un buen o mal guión en la ejecución de una película? Según Ulysses, éste “Cuenta de un carácter indispensable, indisoluble y armónico” y sí nos volteamos bien a ver, es cuasi ilógico, pero dependiente pensar que no sea así. Imaginemos una buena película con un argumento horrible, por ejemplo: “Taxi Driver” imaginemos (Bueno casi ese monologo existencial) con fallas de interpretación, con muchas lagunas y disolventes tramos de improvisación “poco estudiada” o imaginemos, peor aún a Scarface con el mejor guión del siglo, quizá arruinaríamos la explosión dramática de la qué cuenta. Un guión es una cosa muy dependiente de la clase del filme. Quizá (No quiero faltarle el respeto a nadie) el cine nos demuestra ésta idea con la experiencia.

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Ahora bien. Un dato también y de manera igual de importante es la dirección y sus restantes colaboradores. Vestuarios, luces, enfoques, cámaras, y buenas interpretaciones. Para alguien tan inexperto como yo, es tan obvio ver que sin estos elementos una película fracasaría, no sin la horrenda elaboración de éstos, sino el desuso de éstos. No sería filme sí fuera así. Pero, viene el punto que depende de todo. Hay películas, por ejemplo: Begotten (la ejemplifico sólo porque la reseñé y tengan un visión más análoga de lo inmediato) no hay grandes vestuarios, la cámara mantienen un plano, las interpretaciones muy teatrales y de ligera y sencilla mirada superficial (El trasfondo es otra cosa, no se dejen ir tan de repente) ésta película cuenta con una elaboración muy escasa (Tal vez innovación o falta de recursos, a lo “serie B”) Otro punto que queda debatido entre ustedes, claro.

Para no seguir haciendo más tedioso esto. Después de ésta leída que le he pegado al “Guión Cinematográfico” sólo me queda por pensar que todos los elementos que conforman una obra tienen que encajar de manera milimétrica en su realización. Y ni mencionar tratar de hacer una película casera. Incluso yo he intentado hacer una pequeña películita casera de lo más sencilla posible, pero, ésta me ha resultado muy difícil, si se tiene en cuenta la realización individual de cada elemento: vestuarios, argumento, iluminación, trama, desenvoltura, atmosfera… y debo decir, es algo COMPLICADISIMO. Y quizá esto sea más personal, pero me deja pensando, ¿Acaso el cine necesita más tiempo que cualquier otro ámbito artístico?

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El cine es tan complejo que se necesita de muchas piezas artísticas para su elaboración. Cuando vemos filmes de Bela Tarr y Dreyer nos imaginamos cuadros que están cuidadosamente colocados en un museo, cuando escuchamos las piezas de Fritz Lang y Hitchcock, en cuestión de música ambiental, notamos la manera en cómo tales encajan con sus obras. La música es tan importante para las películas, todos sabemos que el terror son 80% por su sonoridad y ambientación. No podemos ver películas de G. A. Romero sin aquellas ominosas piezas. En fin, A veces diseños arquitectónicos sorprendentes y molduras tan fascinantes que deshilvanándolas poco a poco se nos hace difícil de creer que tan complicado puede ser el cine.

Y quisiera ahondar más en detalles,  pero creo que estos son los justos. Aunque mi idea central no se exprese muy bien, por lo menos entendieron mi punto.

Estuve dando muchas declaraciones, varias adulteras por mi opinión, pero el objetivo es tratar de que el mensaje llegue jajajaja.

Un libro muy interesante. Creo que tendré que escanearlo (Ya qué es muy difícil hallarlo en la red) Y con esto no queda más que decir que sí les gusta el cine, y ven cualquier libro por allí que trate de explicarles un poco más de esto, no duden en comprarlo y consultarlo.  Porque aparte de entretenernos el cine resulta muy interesante, aparte de ser vista cómo diversión nos ayuda a tener una visión más vasta acerca de un tópico, aparte, también, de ser considero cómo una distracción, nos hace reflexionar e identificarnos (Así cómo un libro) y por eso es tan importante en mi el cine. Y no quiero tampoco juzgar a las personas que vean éste cómo un objeto de diversión, nadie tiene que sentirse especial por lo que hace o ama (Aunque sea de manera empírica) simplemente disfrutar y compartir, esa es la misión. Le bajo ya, que parezco uno de esos pacifistas enmarañados que tratan de mandar mensajes subliminales jajaja. Mis últimas palabras (Ni que me fuera a morir)

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Disfruten todo lo que hagan y no presuman de eso!

Saludos

Nota: 7.5 

 

 Nota finales: Esta reseña fue hecha en los primero días de octubre, por motivos y fallas con WordPress no se publico antes xD

Ingmar Bergman – Persona [1966]

“Di aunque sea una simple palabra”

Persona es una las grandes, enigmáticas y exóticas películas de Bergman, una de tantas que conllevo al director sueco a consagrarse como uno de los grandes del séptimo arte. La influencia es indiscutible y la proeza fílmica es tan ambiciosa que alcanza uno de los mejores filmes de la década (Bajo mi criterio, claro está).

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 Mencionar y deshilvanar lo importante que Bergman fue para el cine quizá sería innecesario y casi ridículo, ya que sus películas hablan por sí solas; sus detalles, ángulos posicionales, metáforas, simbolismos, sublevaciones, temáticas (En este caso un tanto personal. En el momento que surgió la idea de hacer persona él se encontraba en un grave estado de salud. Permanecía internado en el hospital para ese entonces) Hemos conocido que los grandes siempre suelen ser muy quisquillosos y perfeccionistas en lo que hacen, Bergman no peca de ingenuo y burdo en sus películas en ningún momento. Pero, bueno, esta vez le daremos una dinámica diferente a ésta reseña; tratándose de hacer un poco más breve y más sintáctico.

Persona narra la historia de Elisabeth Vogler (Liv Ullmann) una actriz que ha enmudecido después de una presentación de Electra. En el hospital en que se encuentra ingresada, La enfermera Alma (Bibi Andersson) se ocupará de sus cuidados, llevándola a una veraniega casa de la Dra. del hospital, tras los consejos de esta última. Según la Dra. Lo que Elisabeth necesitaba es un poco de soledad, espacio y permanecer en completa sintonía con ella misma. La relación de Elisabeth y Alma se unificará tanto, aunque Elisabeth mantendra silencio en toda la estadía, Ella será la persona que escuchará todos los más profundos secretos, sueños y ambiciones, así como roturas sentimentales y algunos encuentros orgiásticos de Alma. La admiración que siente Alma hacia la actriz le hará hablar de varios sucesos congojosos de sus vida, cómo los ya antes mencionados, aunque siempre vinculando sus acciones y falta de iniciativa  hacía sus ideales más arraigados. 

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Las cuestiones que nos presenta Bergman sobre el infausto existencialismo, “la innegable negación” y “El rechazo hacía su propia imagen” La enmarcada línea que las dos mujeres mantienen entre similitudes y semejanzas casi extraordinarias será la base de su alegría y decepción. Alma es una mujer apasionada, en cambio Elisabeth siempre ha sido una actriz hasta en su vida personal: Después de tener un bebe no deseado, creyendo que “El papel le quedaría” decide abandonar también a su marido; toda su vida es una farsa cubierta de veracidad y se esconde en el silencio y el estoicismo para evitar tal vida de hechos reales y no simplemente dramatizados.

El enfoque psicológico es muy profundo. Una persona tan dispar puede ser tan asemejada y encajar en el mundo de alguien completamente diferente e identificarse con los atisbos y radiantes altivos de expresión natural del individuo amante y vigorosos de la vida, el cuál sus deseos sean las aspiraciones más grandes y la meta casi ineludible a cumplir. Aunque el filme cuente de muchos simbolismos, como especifican en algunas reseñas del metraje: “religión (araña/dios, crucifixión, cordero pascual), sexo (falo, vagina), arte/ilusión (proyector, cine mudo, pantalla), vanidad de la vida humana (personaje que inútilmente trata de trabajar) y muerte (personaje mudo, depósito mortuorio)” Ya que varias imágenes circulan en el primer plano y secuencia de apertura en el film. Y comprender porque la afición de Bergman por estos tópicos tan existentes en nuestras vidas, es una cuestión de muchas cavilaciones profundas, por ello indicó la personalidad qué tiene del director con su obra. 

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En la otra parte de la obra hay cuestiones de carácter confuso y borroso, si se quiere ver de esta manera, como “La llegada del marido de Elisabeth” y el papel que toma Alma haciéndose pasar por ella, y mimetizándose en la señora Vogler. Después de una catarsis y exasperación caótica, ella se da cuenta que no puede ser otra persona, que no puede perder la dulzura de su alma cándida y noble por una robusta, fría y seria personalidad, como lo es la de Elisabeth.  Pero, ¿Elisabeth, encuentra consuelo en las más sinceras narraciones de Alma? Ya que toda su vida ha querido ser un espíritu libre, sin hermetismos inasequibles y fatídicos esfuerzos de personalidad.

En cuestión de propuesta la película está, sin mentirles, adelantadísima para su época. Los elementos de vanguardismo son tan tangibles, visibles y nos hace enfocarnos en una visión más curvilínea y oblicua de cómo tantos sentimientos pueden encontrarse con la filmación. La técnica del Director sueco se fue depurando con las siguientes entregas (Como: Cara a Cara) o quizá ya había alcanzado su punto culminante e histérico en cuestión de composiciones tan sublimes, ricas en fotografías, de escenografías limpias y contemplativas, y de un trasfondo filosófico extremadamente complejo y obscuro. Pero, la cuestión es muy subjetiva, a muchos les quedará esa parte y compartirlo entre compañeros será más estimulante. 

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 Otro punto muy interesante a tocar aquí es, la simpleza, aparentemente del filme: Bergman Siempre tuvo esas inocuas locomociones y vibraciones esporádicas de crear pequeñas espinillas punzantes que iban creciendo terriblemente, una vez se desarrollada la idea completa de sus creaciones. Indudablemente un estilo muy peculiar y genuino de él.

 Lo que demuestra Persona, es que no hace falta tener las mejores producciones y valores dramáticos exagerados, así como grandes efectos especiales, ideas brillantísimas (Habló de cuando se escribe una especia de Volviendo al futuro, o cosas que sólo por mención sabes que será un éxito absoluto) No, no, esto en el mundo “Bergmaniano” no cuaja, para nada. Este director siempre se baso en la belleza y exquisitez de sus cintas, sin olvidar el mensaje tan reflexivo que todas sus obras mantienen, hasta sus menos logradas.

Una película deleitable, totalmente rígida y desnuda en cada contorno de la mente humana. Quizá, una de las mejores que jamás se hayan hecho en toda su filmografía: y no quiero ponerme en Plan de llevar la contraria, simplemente sus obras tienen la barra de acero tan altas que con esta entrega sólo manda ésa misma barra hacía las nubes; muy difícil de alcanzar y poder superar tremenda y volcánica

¡Obra Maestra!

Uno de los más grandes directores; y si alguien dice apreciar el cine, no debe perderse este poeta simbolista del film. Para aquellos que no le han puesto ojo, Pues a tomarse sus dos o tres vistas a ésta, aclaró, no es fácil al principio, pero una vez cogido el nudo gordiano, La disfrutarán ampliamente. “Al menos di algo”

Link: http://www.youtube.com/watch?v=0XNhfQPrcqI

 Nota: ¿?… ¡Un 10 es muy poco!

Miguel de Unamuno “No, no soy fascista ni bolchevique, soy un solitario”

Miguel de Unamuno fue un vasto escritor español de la generación del 98; rector de varias universidades, en la cuál cultivo el campo de las letras y la filosofía. Ejerciendo principalmente en la universidad de salamanca. Es considerado hoy en día como figura fundamental en la poesía y literatura española. Su rebeldía única lo llevo al ostracismo voluntario, después de ser arremetido en la universidad de salamanca en un discurso hacía la oposición del franquismo y la turbulenta Guerra civil española. 

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 Se le conocía antes de la dictadura cómo ferviente y eje propulsor de la primera república. Lo nombraron alcalde, pero luego se retiro, y fue nombrado héroe de tal instauración política. En una entrevista Unamuno afirma: Qué él no es un novelista, porque sus obras no son novelas, más bien son “Nivolas” lo que explicó más tarde la diferencia entres éstas. Aclarando que su “Nivola” desemboca hacía una nueva estirpe de género literato enfocándose hacía la repelencia de argumentos premeditados por el autor. Esto significa que su obra se constaba de diálogos como génesis de tramas y no tramas como génesis de una novela.

Es indudable que Unamuno hoy sea conocido como héroe español, gracias a su ferviente lucha por la libertad y su inmensa cultura aplicada en la literatura. Para resumir, hoy traigo de manera entusiasta 1 de sus muchas novelas. “La Tía Tula” Para no tornar esto muy largo trataré de explicar lo más abreviado que pueda. 

La Tía Tula: Es una historia muy apasionante ferviente de aquella España sumisa y ortodoxa. Los regionalismos son base principal en la obra, un léxico dócil, una trama bien ambientada, situaciones muy comprometedoras y rigurosas; los sentimientos que se relucen cómo el amor, la muerte, la disciplina, las tradiciones, costumbres, la doctrina religiosa; sentimientos tan apegados que suelen ser empatados con el lector.

Gertrudis (Tula) y rosa son dos hermanas muy apegadas entre sí, ellas han tenido una infancia dura por la muerte de sus ambos padres, han quedado huérfanas desde muy chicas y el único que se ha ocupado de ellas por el resto de sus vidas (Hasta que alcanzaron completa autonomía) fue su Tío, un cura llamado “Primitivo” El cuál llega de vez en cuando a visitar a sus dos únicas sobrinas.

Tula es una mujer de carácter firme, obstinad y muy segura en sus opiniones, las decisiones que ella imparten son tomadas como órdenes de parte de su hermana rosa; hasta cuando su Tío está con ellas, la que tienen voz y voto es Tula. Al contrario de tula, su hermana rosa es una mujer frágil, sentimental, apasionada y muy insegura, quizá con una autoestima baja y un comportamiento regido bajo las órdenes de Tula.

Ellas viven en una casona donde conocen a Ramiro. Ramiro es un joven que está enamorado de las dos hermanas, tras varios esfuerzos y dilucidamientos, Tula hace que Ramiro y Rosa caigan en noviazgos, posteriormente gracias a las intercepciones de tula hace que estos dos se terminen por casar. El matrimonio consigue una casa, y se alejan de la Gertrudis (Porque ésta recomiendo soledad para los esposos, ya que Rosa había insistido que Tula viviese con ellos). Después de un tiempo naci el primer pequeñuelo, “Ramirín” pero el parto deja a Rosa muy débil y Tula se ocupara de su hijo recién nacido llegando todos los días a la casa.

Rosa se recupera nuevamente. Al poco tiempo queda de nuevo embarazada, posteriormente da a luz a una niña, “Elvira” para este punto Rosa queda muy débil y sin fuerzas para hacerse cargo de sus dos hijos. La Tía Tula se quedará a vivir con ellos. Mostrando un cariño por sus sobrinos, Tula los baña, cuida, les da de comer, juega con ellos, se ocupa todo el día de los dos y pasando la mayor parte de tiempo con ellos.

Infortunadamente muere “Primitivo”. Tula se encargará de amortajarlo y  darle sagrada sepultura. Tula no se derrumba y se esmera aún más para el cuidado de los sobrinos. Al poco tiempo de la muerte de “Primitivo” viene el tercer embarazo para el matrimonio, pero la diferencia es qué éste se desarrollaría molesto y muy complicado para rosa. Después del parto Rosa queda extremadamente agotada y hace llamar a su hermana para que ésta última cuide de sus tres hijos; ya que la muerte le ha alcanzado. Tula asegura y perjura cuidar con sus mayores atenciones a sus sobrinos y no darle una madrastra (Cómo teme Rosa).

Después de la muerte de Rosa, Tula se hace cargo de todos, de los niños, la casa; pero remiró ha caído en una gran depresión por la pronto e inoportuna muerte de sus esposa. La muerte ha azotado sus vidas y el único camino que hay que tomar es la vida, y no resbalarse en los recuerdos llanos y melancólicos.

El tiempo pasó y Ramiro le confiesa a Tula  el amor que él siente por ella, Pero, tula como su personalidad mandona y reprochan, niega absolutamente aquel amor correspondido –aunque ella sabe y lucha entre cabeza y corazón, que eso no es cierto- por lo cuál los dos llegan a un acuerdo, haciendo un contrato: Cuando pase un año sí tula cambia de parecer ellos podrán casarse. Cuando queda solamente un mes para que se cumpliera ese compromiso solemne, contratan a una hospiciana para que sea la criada del hogar y se ayude a Tula con los pequeños. Lo incierto vendría un día, cuando uno de los pequeños dice a ver visto a su padre besando a la criada, manuela.

Volvemos a presenciar el carácter de la Tía, reclamando tales insinuaciones a Ramiro, éste afirmando tímidamente toda la versión del cuento del pequeño. Tula iracunda exige que eche a Manuela. La educación de sus hijos está en juego, la moral también y la tradición no debe romperse de tal estupor. Ramiro apenado dice que manuela está embaraza. Tula los hará que se casen y vivan juntos (Con ella). Aunque los pequeños quedarán desconcertados ante esta situación, luego de ver a Manuela sirviendo ahora ya es parte de la mesa.

La situación se complicaría con el primer hijo de Manuela. Pronto quedaría nuevamente embarazada y esto afectaría emocionalmente a Ramiro. Pronto, Ramiro por las preocupaciones caería en una trémula e inestable enfermedad que lo dejaría muy agónico. Manuel muere en el parto de su segunda hija (A ésta le ponen Manolita) y Ramiro posteriormente perece en su lecho. 

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 Tula queda sola con cinco criaturas que alimentar y educar, para sobrellevar la perdida de sus padres. Aunque la severa Tía no auspicia tratos especiales a los niños, tratándolos a todos por igual –Aunque siente más cariño por Ramirín, por recordare a Ramiro y ser el mayor y Manolita por verla endeble y fehacientemente frágil –

Los años pasa y tula logra sacar a delante a sus hijos.  Un día cuando Ramirín, el mayor llega a casa para decirle a su madre que se casará con Claridad –Una chica que Tula especialmente ha elegido para él- Estos terminan por tener un hijo. Manolita cae enferma, lo que causa la preocupación excesiva de Tula, Rezando y pidiendo a la virgen que no muere Tula ofrece su vida por la de Manolita. Y Así se pronostica. Luego de un tiempo Tula decae y empeora su salud, por otro lado Manolita se mejora y muestra una recuperación inmediata. Luego de un tiempo la Tía Tula muere de Bronconeumonía. Manolita ya mayor conserva el carácter de la tía, uniendo a la familia otra vez por su muerte. En eso, todos presencian que la Tía Tula no había muerto, sino su personalidad yacía en manolita. Ella tomaría las riendas de la familia, y impregnaría aquel carácter rígido, valiente y audaz, único y propio de la Tía Tula.

Una obra exquisita y fina en despertar esos más oscuros y a la vez tiernos sentimientos. La preponderancia y la fuerza de voluntad son marcadas con grandes acontecimientos guiados por una cabeza. Un farol que domina con absoluta serenidad es la base y estructura idílica de ésa familia que nos presenta Unamuno.

Otro aspecto es el sacrificio y la entrega de la Tía, dejar todos sus sueños, anhelos y metas en los  hijos ajenos. A veces el carácter de ella logra simpatizar con algunos lectores, otros aborrecen tal por el dominio absoluto de un régimen totalitarista. También lo que adorna esta novela, oh perdón, “Nivola” es el encuadre social-político. Muy parecido al contexto de “Bodas de Sangre” en cuestión de cronología con el blog.

La psicología femenina es astutamente abarcada en la obra, el comportamiento de una mujer en aquel entonces, a retener su naturaleza por ser juzgada bajo un dominio machista e insolente; estos engranes guían la concordancia literal, poética y metafórica del contorno lineal en la novela. 

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 En el tiempo que leí esta obrita, quede fascinado en la historia. Con tan pocos recursos (No literarios, sino dramáticos y escénicos) se puede crean buenas historias, picarescas y renovadoras, a tal punto de quedar absortos en la historia.

Quizá con una buena dosis de Unamuno olvidemos los problemas triviales del día y dejemos aún lado los atosigamientos y disfrutemos de ésta obrita muy buena.

Muy recomendada!!!

Link: https://www.google.com.sv/#psj=1&q=miguel+de+unamuno+tia+tula+&safe=off

Nota: 8.7 

The Rocky Horror Picture Show – [1975]

TRHPS es una película basada en un musical adaptado (Con retazos de humor, terror y erotismo), dirigida por “Jim Sharman” y protagonizada por: Tim Curry “Dr. Frank N Furter”, Susan Sarandon “Janet Weiss”, Barry Bostwick “Brad Majors”, Richard O´Brien “Riff Raff”, Patricia Quinn “Magenta”, Peter Hinwood “Rocky” y Nell Campbell, siendo “Columbia”.

La película ha sido muy influyente en su campo, ha recolectado una buena cantidad de seguidores y remakes, parodias y algunas escenas tributo hacía la misma. Hace poco la descubrí por una recomendación y me ha sorprendido los años que había dejado pasar por ver un material tan fresco, nuevo, rehabilitador, escénico, musicalmente virtuoso y calidad inmensa. No es para más mencionar las grandes interpretaciones de Tim Curry, Peter Hinwood, Susan Sarandon y demás elenco. En películas del montón es normal que siempre sobresalga un protagonista y antagonista, ya sea “El villano”, “El Astuto”, “El héroe”, etc. Pero en ésta, la gran repartición escénica es increíble cada cuál tiene su papel preponderante en el filme. 

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 En el trayecto se nota y desvelan los cuadros a través de la “trama musical terrorífica” y de alguna manera  los demás personajes son tan coherentes y validos cómo los supuestos protagonistas. Destacar la gran labor coreográfica, aquí sí tenemos que ser detallados: nos muestra un excelente repertorio de canciones intercaladamente movidas, amorosas, sacudidas, salvajes, eróticas, oníricas, desopilantes, ingeniosas. Todas estas anteriores con ritmos entre Rock n Roll, Doo Woop, Pop… de todo un poco.

La banda sonora consta de 45 minutos. Me tomé el tiempo para escucharla aparte y sólo puedo decir que son enfermizas, muy adictivas y agradables están excelentemente elaboradas, con repiqueos y coritos pegajosos de una manera tan sutil, cariñosa y sexual. Lo recomiendo ampliamente. Dejaré todos los detalles al final de la reseña. 

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 Otra parte importante a resaltar son los picarescos maquillajes de los “Principales anfitriones” muy destacados porqué no los hacen ver ridículos (Considerando que la película no es meramente una comedia –Pero, sí tiene detalles así- y crece una expectativa de humor en ella), ni lo hacen ver exactamente pavorosos. Aunque ese jugueteo sí es terror o comedia, no da la riqueza para ver de otras aristas el film.

Ahora bien, para entrar más en detalle vamos a la trama. 

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 Los telones (Figuradamente hablando) se abren con unos labios carnosos, cantándonos el primer tema del Tracklist, “Science Fiction/Double FeatureEn primer lugar los labios que aparecen son los de Patricia Quinn (Megenta), pero la canción está escrita y elaborada, al igual que cantada por “Richard O´Brien” (Riff Raff).

La historia es contada por un criminólogo, abriendo de la siguiente manera:

Todo inicia cuando Brad le propone matrimonio a Janet (En el casamiento del hermano de brad), aquí sale el segundo tema “Dammit, Janet” Interpretado solamente por Brad y Janet (Pero, siendo adaptadas las voces de Riff Raff y Magenta, también). Hasta ese momento cuando Brad y Janet, ya contraídos y consumados en el matrimonio deciden ir a visitar a su buen amigo y consejero “Dr. Scott” (Un anciano que trabaja en asuntos relacionados en avistamientos ovnis, seres de otro planeta y perturbadoras naves espaciales y cosas por el estilo). 

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 Brad y Janet en busca de su amigo, en una noche tormentosa se pierden de su destino (Luego de haber visto pasar 3 motocicletas en dirección contraria a ellos) y su auto sufre una severa avería –Una de sus llantas está pinchada-, dejándolos estancados al frente de un letrero que indica el camino cerrado. Ellos bajan en busca de hacer una  llamada telefónica, al ver una gran mansión tétrica que se encuentra a la esquina. A continuación se revela el siguiente track (3ro) “Over at the Frankenstein Place” Interpretado nuevamente por Brad y Janet en la entrada de la gran mansión, lo cuál se une a sus cánticos Riff Raff que observa desde una lejana y quebradiza ventana la pareja mojada. 

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 Una vez ya en la casa el matrimonio se sorprende de sus anfitriones (Riff Raff y Magenta). Estos dos últimos, los invitan a pasar a la siguiente habitación donde se conmemora el primer aniversario de los transilvanos (El planeta donde se originan todos estos extraños tipos de la sala) que bailan y cantan “The Time WarpUna de las mejores piezas claves de esta obra.  Lo que se augura fantástico termina siendo inverosímil y absoluto: con el fin la anterior pieza aparece de un ascensor un tipo vestido con una senda capa que cubre todo su cuerpo, éste El Dr. Frank N Furter  un científico (El mentado travestí  que aviva la sala con la siguiente pista genuina: Sweet Transvestite (Una de las mejores piezas)

Una vez terminada la canción, Frank invita a todos sus huéspedes a subir a su laboratorio  donde esconde una criatura que hará despertar las inquietudes de todos: “Rocky Horror” aparece vendado de todo su cuerpo, para dar inicio a “The Sword of Damocles”  proseguida por “I Can Make You a Man” Rocky es un tipo musculo, rubio y muy guapo.  Una vez, celebrando el nacimiento de Rocky, sale del congelador un sujeto en motocicleta, al parecer es Eddie el donante parcial de cerebro de “Rocky” y supuesto amante de Columbia (Una groupie). Después de que Eddie se roba la atención de los demás con la pista: “Hot Patootie Bless My Soul” Frank termina por matar con una hacha a éste. Prosiguen y aparece de nuevo la pista “I Can Make You A Man” (Reprise). 

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Una vez complacidos los deseos del Dr. Frank, Brad y Janet reciben habitaciones separadas para pasar la noche, a lo cuál Frank engaña a ambos para tener sexo con cada uno ellos en diferente situación –alrededor de una escena similar y graciosa- Pero mientras éste último estaba con Brad, Rocky se escapa de su habitación por el fuego que Riff Raff le ha incidido. En este lapsus de tiempos hay una canción censurada (Que no viene en la que yo vi) guiada por la canción “Once In A While” no se pierden de mucho, la escena sólo refleja algunas imágenes aglutinas de Brady Janet.  

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 Mientras todos buscan a “Rocky”, Brad, Riff Raff y Frank ven a un tipo hurgando los alrededores de la mansión, ciertamente es el Dr. Scott que anda buscando a su sobrino “Eddie” Frank lo atraerá con un imán muy extraño. Pero, antes de esa escena en la misma habitación Janet había hallado a “Rocky” la creatura de la noche lastimada, al ver esto Janet seduce a la creatura y aparece (Para mí) la mejor canción de la obra: la lívida y carnosa “Touch-a, Touch-a, Touch-a, Touch Me”  aquí una de las mejores escenas, interpretadas por Janet, Rocky, Magenta y Columbia (Las dos ultimas hacen las desesperadas murmuras de coros). La escena fue tan influyente que hasta ése feo programa llamado: “Glee” hizo un cover de la misma escena, pero de manera tan imbécil que solo pasa  a una copia barata y fría. 

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 Todos se enteran del pequeño enredo de Janet y Rocky…. Pero, la hora de la comida ya está lista y todos asisten a un gran comedor.

Durante la cena el Dr. Scott inquiere bajo la ausencia de su sobrino “Eddie”, Frank de manera cínica les muestra el cadáver del motociclista, por esa impresión Janet abraza a Rocky, lo que hace que Frank se moleste y la persiga por toda la casa mientras Dr. Scott y Brad van en busca de ellos. En esta escena no es prescindible no hablar de la canción en medio de la cena, antes que Frank mostrase el cuerpo mutilado de Eddie: siendo “Eddie” el tema musical correspondiente.  

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 Llegan de nuevo al laboratorio después de una incesante persecución  Frank con la ayuda de una especie de rayo convierte a Janet, Brad, Dr Scott, Columbia y Rocky en estatuas, para luego hacerlos danzar y bailar en un teatro (Con publico, a lo que después se revela una ilusión óptica) Todos estos vestidos de la misma manera de Frank (Transexuales). Donde son arrojados en una alberga en una especie de ritos y bailes exóticos, donde terminan todos besándose lujuriosamente. 

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 Entre estos concurridos bailes aparecen canciones como: a. Rose Tint My World, b. Fanfare/Don’t Dream It, Be It, c. Wild And Untamed Thing

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 La plena celebración es interrumpida por los sirvientes: Riff Raff y Magenta. Estos aparecen vestidos con atuendos de su planeta, afirmando su marcha hacía éste. (Suena en el anfiteatro “I’m Going Home”) Pero antes destruyen a Frank, disparándole, en sucesiva cuenta también le disparan a “Rocky”  porque este había enfurecido tras la muerte de su creador. Por ultimo matan a Columbia. Los sobrantes en este instante huyen desaforadamente, abandonando el lóbrego castillo  y viéndolo arrancarse de los suelos y despejar hacía el planeta Transexual, en la galaxia Transilvania. “Superheroes”  Es la penúltima de las canciones, cuando ya toda ha terminado. 

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 Al final, vuelve la escena del criminólogo, cerrando la historia con la siguiente frase: “los humanos son solo insectos arrastrándose por la superficie del planeta”  Al terminar de fondo escuchamos la primera canción, otra vez: “Science Fiction/Double Feature

(Reprise)

Aquí se cierra el ciclo. Una excelente película, digna de verse cuantas veces quiera, digna de repetir y corear sus canciones cuantas veces sea necesario. A mi en lo especial esta obra me encanto, se siente subterránea, extremadamente fuera de sus cabales, anormal y muy entretenida. Para los que no la han visto, ya no tienen excusa, para lo que ya la vieron sería bueno escuchar su experiencia de tal.

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Para no hacer más larga la reseña, sólo les dejo aquí: la banda sonora y la película (Desgracia mente no halle la parte censurada, pero como dije anteriormente no es nada lo que se pierden).

Tomate el tiempo y la disfrutarás a plenitud.

Link de Película: http://vk.com/video_ext.php?oid=170635933&id=162769224&hash=ce97aa5e56baf59c

Link para descargarla: http://depositfiles.org/files/4vmjwl4tm

Link de banda sonora: http://www.youtube.com/watch?v=Unl1MxubYN8

Nota: 9.0 

Begotten ¿vanguardia o pretensión?

Begotten es una película experimental de terror de 1990. Dirigida por Edmund E. Merhige. Ésta película ha sido tema de varios debates sobre su calidad y valoración estética (Si hay alguna, como dicen por allí). A lo largo del tiempo se ha mantenido en un estatus de culto por parte de los más acérrimos seguidores de lo paranormal y desprolijamente extraño. 

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 Antes de empezar sería bueno advertirles a los lectores que no conocen el filme y que están dispuestos a verlo, que tomen en cuenta algunas recomendaciones para que puedan hallarle el gusto, o  si no que tengan las cuerdas adecuadas para saber si la peli les llama la atención.  Antes de todo para ver Begotten te tiene que gustar el cine de terror, algo de Gore y cosas no tan comunes. Por ende, no quiero decir qué ésta película sea solamente para “Gente listilla”, o “Sabionda” y “Experimentada”  solamente que le aficione el cine rustico, empedrado y no tan usual.

Describir el film es algo complicado e intrigante por la forma en que éste fue concebido y creado como obra. Pero, bueno, estamos para detallar e hilvanar lo más humanamente posible este filme. Para empezar, teniendo en cuenta el año, la peli es en blanco y negro sin música clásica (Cómo suelen incorporar muchos daguerrotipos fílmicos de los años 20s y 30s) la única música que hay en la película son los grillos, aves calmas y el correr del agua que circula; no hay diálogos, ni algún tipo de conversación; la calidad es totalmente rustica y añeja (Nada prometedor, ¿eh?) 

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 Pero, lo que hace intrigante a Begotten no es solamente los paupérrimos valores de producción que la subyacen, sino: Vestimentas, Extremismos cualitativos (Cómo mencione anteriormente, la ausencia de música, guión y color), Escenarios, Trama apocalíptica y profética; los cuadros son espeluznantes (Si se fijan en los pequeños quiebres que tiene el filme hay espacios para contemplar las escenas como puros cuadros Surrealistas a gotas demenciales y esquizofrénicas). Esta compilación de elementos terroríficos creada por la ambientación y la desesperante dinámica que emerge entre los bosques secos y lúgubres.

Empecemos…..

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 La película inicia en una cabaña (adornado por pasto seco y quemado, hierbas esqueléticas y quebradizas) de muy mala pinta, donde está un hombre autoflagelandose (mutilándose) con una navaja. Éste tiene repentinas convulsiones. La sangre esparcía cae por cada rincón de la cabaña, caen pedazos de carne y algunas partes de órganos por el sitio. En este primer cuadro terrorífico el tipo se encuentra apoltronado en una silla (el rostro no se puede dilucidar a la perfección) En el papel del metraje éste hombre es “Dios” que de su cuerpo muerto nacerá “Madre Tierra”  La cual sale de toda sangre  y la agonía de “Dios” ésta gracias al semen de “Dios” impregnándoselo en su vagina, queda embarazada.

La siguiente escena se mueve afuera de la cabaña, “Madre Tierra” concibe a un pequeño y extraño sujeto que convulsiona fuertemente, de apariencia funesta y escalofriante “Hijo de La tierra” sin poder moverse éste se retuerce en espasmos  mientras “Madre Tierra” da un paseo por el lugar. A causa de esto, unos extraños tipos cubiertos con harapos hasta el rostro, una especie de nómadas. Éstos divisan al pequeño retorciéndose en el suelo, posteriormente los 5 ó 6 nómadas, lo atan con una soga muy parecida a un cordón umbilical, y lo arrastran por todo el campo desértico. El “Hijo de La Tierra” en el camino expulsa de su cuerpo órganos, sangre y especies de restos corporales, lo nómadas reciben éstos restos con gran afán y devoción cómo si fueses destinados a ellos, o alguna especie de obsequios. Luego, lo queman en una fogata (Sin matarlo) y lo visten, dejándolo en el territorio de los nómadas raptores.

“Madre Tierra” a su regreso busca su hijo, lo halla y le ata una cuerda en el cuello, arrastrándolo por la maleza y recuperándolo. Aquí se da una de las imágenes más perturbadoras de todo el filme… Ese viaje insólito, lento y parsimonioso que recorren ambos es singular, el bosque empinado y picudo terrorífico que los rodea. 

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 Los nómadas a su regreso se dan cuenta del rapto, y deciden (creo que furiosamente. Porque sus rostros no se ven; es difícil saber que emociones expresan) buscar ágilmente a su victima. Al hallarlo golpean a éste en la cabeza creciendo un charco de sangre por unos tubos donde ellos recorrían, luego se abalanzan sobre “Madre Tierra” para provocar una de las escenas más grotescas en la película. La golpean en la cabeza haciendo que ésta caiga repentinamente y sin fuerzas; empiezan a golpearla intensamente desangrándola, destrozando su vagina y casi todo su cuerpo por golpes y palos; la manosean y la violan dejándola tirada en su marcha.  

Una muestra de salvajismo despotricado, cínico, desmesurado.  La deshumanización a límites extremos.

El hijo de madre tierra queda sobre su cuerpo casi empapado en sangre velándola. Posteriormente llegan otros sujetos (Estos parecidos a los antiguos visitantes, pero con un aspecto más rupestre)  a llevarse el cuerpo de “Madre Tierra”  para desmenuzarlo y desmembrarlo por completo para ser puesto en una especie de jarrón. Luego vuelven por el hijo de ésta y ejecutan el mismo procedimiento (Pero, cómo el hijo estaba aún con vida, lo introducen en un costal y lo golpean con un tremendo y brutal mazo hasta matarlo del todo) El destino del hijo es augurado como el de su madre –desmembrado nuevamente y cortado en muchos pedacitos- para después ser puesto en otra jarra. Los pedazos sobrantes son machacados y enterrados en la espesa y brumosa tierra lodosa del habitad de los nuevo nómadas. 

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 De esto nace un nuevo escenario y se ve el globo terráqueo floreciendo, yaciendo en el los pedazos de los mutilados, nace un ecosistema verdoso, cálido y puro. Por última escena se contempla el cuadro de madre tierra y su hijo siendo llevado por la espesura del bosque antes vigente en ese lugar.

Posteriormente termina de esta manera.

Es claro que la película es un esfuerzo valiente para salirse de la saturada escena hollywoodense y proponer una historia, si bien mitológica y basada en el génesis  y teoría de la vida humana. Recopilando este filme gran influencia de la manera en cómo se creo el mundo de parte de mitos paganos y egipcios (A mi punto de vista, una temática muy interesante que la pelí plasma a lo lejos). 

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 Las alegorías están claras, si se mira fijamente el trayecto fílmico, y en cuestión de escenarios, simplemente pavorosos e intrigantes. La ensimismada tragedia que viven madre e hijo es fantasmagórica y casi exuberante en el sentido creacionista. Me gusta mucho los esquemas bizarros y tétricos extremistas que deja la cinta.

Pero, como mencione antes, hay que estar dispuestos con mente heterodoxa a ver esta obra muy peculiar. Eso si, aparte de los comentarios que he leído en muchos sitios, a mi está película me parece la renovación vanguardista en su estado puro; más allá de la propaganda moderna y juvenil que ésta tenga (Hablo de que no estoy juzgándola bajo el axioma que hoy en día se tiene por conocer algo “diferente” y que sea una completa mierda, si no por el tiempo que le he visto y el gusto que le he tomado), no hay nada de mediocre en la propuesta; si bien a veces hay tedio de parte del espectador, viéndola dos o tres veces le vas tomando la esencia y saboreando el azúcar inmanente de esta piedra en bruto. 

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 Me gusta mucho asociar esta película con la música (No la música de la película, porque no la tiene) si no de la música en general. Siempre he dicho y diré que Begotten es cómo escuchar Drone Metal (Género que se basa en riffs extremadamente lentos y monótonos, que llegan a durar entre 10 a 30 minutos)  en su carne viva. Una película Excelente. Pasmosa, cruda, implacable e intocable roca ominosa que deja ver a el Exorcista (Nombro ésta por la mención aúlica que tienen de decir que es la película más terrorífica de todos los tiempos, lo cuál no lo creo) cómo Winnie de Pooh, y no estoy exagerando.

Antes de terminar, yo estoy consciente del publico que ve esta obra cómo una reverenda bola de mierda, y entiendo y respeto la posición de ello, lo que no voy a respetar será el irrespeto, en cambio estoy dispuesto a recibir criticar con bases y no con insultos sin ingenio.

Pero, ya dejándonos de rollos, Solo me queda por Decir! 

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 ¡Masterpiece!

Obra Maestra, lujo de dioses y placer de inmortales… ésta película conforma la lista de por lo menos “Los diez filmes de terror que hay que ver antes de doblar el pico” entre los números 3, 4 ó 5, como ustedes quieran. 

Link: http://www.youtube.com/watch?v=455ohZRdbY8

Nota: 10 Absoluto y Soberbio

Jimi Hendrix – Are You Experienced [1967]

¿Alguna vez la guitarra toma protagonismo absoluto, potestad y dominio áulico en todo sentido musical y cronológico? 

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 Jimi hendrix, fue uno de los más grandes incursionadores de la guitarra eléctrica en su más extensa expansión. Antes de 1967 la única banda que estaba haciendo pedazos el mundo era Cream, pero cuando este sujeto llamado “James Marshall” empieza a tocar las cuerdas rígidas, a una velocidad nunca antes vista y oída, una técnica nunca antes tocada, una forma inverosímil de plasmar las ideas atreves de un instrumento que a lo largo de los anales se considero como principal eje motor del Rock; Empieza lo más electrificante y potente en la música popular, y no tan popular.

Después de andar unos años en el arte de vagar, el gran jimi se dedica a mejorar indiscutiblemente su técnica con la guitarra, en diferentes bandas locales. Su peregrinación de lugar en lugar hizo que se codeará con gente como: The Animals; Estos le ayudasen a impulsar su primer trabajo. Junto con el portentoso y estruendoso Mitch Mitchell en la batería y Noel Redding en el bajo, forman la primera alineación con hendrix para “Are You Experienced?” y graban su primer trabajo de 1:00.00.

Muchos de aquí partirían para explicar el movimiento Hippie, la nueva ola creciente de Rock que se estaba dando en EE.UU, Gracias al sonido Ingles que una vez pululó en tierras norteamericanas. Y que sería del blues y la llamativa forma de agravar las notas de los instrumentos, con el fin de explotar las cuerdas o destruir cualquier forma de percusión aligerada. 

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 Quizá, en la mayoría de los casos, las épocas antiquísimas como lo fueron los 60s, conservaron aquel espíritu compositivo improvisado y espontaneo, a la hora de conciertos o grabaciones en los estudios. Lo más destacable es la magnitud bíblica que se augura, la brocha de creatividad en los altercados cambios de ritmo sonantes y retumbantes; sin embargo, la música, hecha aquí, no sonaría bien sin esa carisma inigualable de Hendrix, esa violencia enmarcada al momento de lucirse y manifestarse como pilar punzante de la psicodelia regurgitante, de un manubrio catalizador, de una pasión y alma iconoclasta, y la verdadera cariz para tocar cualquier clase de melodía, armonía, notas acompasadas, intrincadas, eléctricas.. etc Y los halagos sobrarían y quedarían cortos a la hora de encajar cualquier tipo de adjetivo, superlativo o descripción apológica hacia el ¡Guitar Hero!

Hoy en día es ridículo pensar que no hay mejores guitarristas que jimi hendrix, claro que los hay, y a montones; pero, lo que convierte a Hendrix como el emblema supremo es que antes que todos esos “guitarristas técnicos” hicieran cosas complejas, no había más que un tipo afro de raza negra que estaba parado con trió tocando como se le salía de los huevos, mejorando inenarrablemente las formas innovadoras de hacer crujir ése instrumento. Es impensable la influencia que marcaría, y con sólo tres álbumes en vida focalizo una historia e hizo un manual de cómo se debe tocar: sin parámetros, sin tutor, sin guía, sin maestro, sólo usando tus diez dedos (Cómo muchos saben, este tipo fue autodidacta, ahora la pregunta es… ¿Era humano?)

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 Para, este álbum no necesito un ejército, sino los ya antes mencionados músicos. Entre ellos el más descatable es Mitch (No menciono a J.H porque ese era Riff Master Rockero). Mitch Mitchell es un músico apabullante, su técnica tan dura de roer, tan pesada y adecuada con las guitarras que le acompañan como afiladas cuchillas que van traspasando de punta a punta la piel sana de la música, convirtiéndola en algo malsano, ominoso y furioso al limite.

Con este trabajo se inmortalizaron las piezas como:

1 – Foxy Lady; Al gran jimi se le permiten las letras que quiera, porque aparte de que este tema fue malinterpretado y a veces resultando ofensivo para las que quisieron ofenderse, derrocha un arduo labor en ritmos y escalas. Si bien La Coqueta Dama, es una canción despótica y sublevada para su época, la letra llega a encantar, Se escucha ese estribillo recitando “Foxyyy, Foxyy, Lady” y un riff acompañante que va creciendo y que termina con un chillido y se convierte en sólo (Todo esto ejecutado por hendrix y una batería que llevan un tiempo intermedio, un bajo que se logran divisar dos o tres líneas)

2 – Maniac Depression: es Rcokanrolera. Platillos que claudican en toda la atmosfera cerrándose en bombos rapidísimos. Interceda el Riffs demoniaco, tras otro endémico Solo que va recitándose con bombos apagados, encendidos a gran velocidad; Un solo se desplaza por toda la canción, para volver a serpentearse por todo el minutaje, escuchándose solo + solo + riff + bombos desdoblados + gritillos aforados y una evacuación entera de energía volcánica. Lo mejor de aquí es el trabajo de Mitch, simplemente pavoroso.

3 – Red House: abre con un solo elástico que va tomando forma en el tempo lento de la rola; el estilo parrafeado de hendrix al cantar con un bajo que por fin se interpreta en su claro manufactura, éstos haciendo una excelente combinación. Mitch se une con un lento y quedo golpeteo en los bombos, aparece de la oscuridad un solo en el minuto “2:10 – 2:50” Que escudriña y saca el jugo y talento de J.H haciendo ver la apoteosis en estado puro.  El estilo Blusero es exquisito y se le da genial. Haciendo esta una de las canciones emblemáticas del repertorio. 

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 4 – Can You See Me: Hasta el momento, nada fuera de lo normal; los riffs ahora son totalmente distintos, el tiempo vuelve a ser rápido y atronador con pequeños espacios para el canto bizantino de Hendrix. Otro solo se desnuda por otra esquina de la canción que el bajo le apoya manteniéndolo derecho del hombro para sostenerse y crear esa pared apoltronada de recitales gimnásticos y derrochadores de energía y fluorescentes humos mágicos, típicos de esa dorada escena.  

5 – Love Or Confusion: nos enreda en Riffs esparcidos y psicodélicos que andan por toda la maleza acercándose y alejándose de vez en cuando. Hendrix nada trémulo en su papel de Vocal-GuitarMen hace lo suyo, cantando bajo una presión en crear atmosferas totalmente distintas en cada canción. Es sorprendente como se hace un torbellino de cuerdas feroces que arrancan con gran Feeling y Técnica, y vaya que eso si es difícil… ¡Is This Love, baby!

6 – I Dont Live Today: Sí ya de por sí el bataco es bueno, hendrix siempre halla la forma de hacer de menos a sus colegas, los Cega y no les da espacio para lucirse y callar al master. Uno riffs pendencieros se asoman con una de las mejores partes del álbum; cuando ese riff cañero se vuelve una bestia al salir y cada instante amenazando en crecer y matar a su predecesor riff y ocupar su lugar y reinar en toda la canción e imponer su maldad imperante; pero todo esto sería inútil sin ese inalcanzable lugar que Mitch ocupa al estallar bombos, platillos y demás articulaciones, como un camión a todo prisa a punto de pasarte encima sin dejarte un hueso de tu cuerpo sin quebrar.

El lado “B” empieza con:

7 – May This Be Love: Hasta el momento ningún tema pasa la norma de los 3 minutos, éste sigue siendo el parámetro. Cuando abre con una calidez única y el apoyo incondicional de un ritmo alucinante de Mitch, con es arpegio que se esconde al final. Sólo un minuto de calma y vuelve J.H con un Riff universal tratando se hacer parsimoniosa la pieza y darle esa magia sesentera que bien marcada estaba ya desde su inicio a fin. El final se vuelve exorbitante y extrasensorial con cuerdas flojas y percusiones leves.

8 – Fire: El fuego arrasa con un intermedio latido de corazón de Bajo/Guitarra que abre con un bombo que deja el telón libre para improvisación y compostura compositiva. Pero, no hace falta la obra esta trabajada y bien curtida aquí el trió se potencializa y nacen vocales adicionales que acompañan ese parchado talante negro. Otra con letras doradas por todas partes.

9 – Third Stone From The Sun: La pieza más larga abre con paso quejumbroso y deslizante, que va rodando alrededor de puro oro en todo instrumento; un bajo que se apodera de su invalida postura y se lleva una cadena pesadísima lista para soltarse; J.H nunca pierde la sección rítmica y solista, no da espacio para el cansancio, sólo crea una cobertura oblicua de líneas inteligibles y descompuestas, cada una derritiéndose en keroseno y pequeñas explosiones en la superficie del trió. Aquí pulula la incertidumbre sónica, llevándonos a una experiencia desconcertante.  Este Súper-trió nos reduce a voces alienígenas y descollantes. Con pequeños semicírculos de guitarras enfermas. Pero después de ese laberinto hambriento de poder nos volvemos a encontrar con el mismo e inicial Riff machacante que se vuelve algo Stoner por veces.

10 – Remember: trae la compostura de vuelta, después de aquella irreal pieza, nos volvemos al virtuosismo con una vara muy, muy alta para superar. Otra vez, me pregunto ¿Cómo logra enfocar esa melodía exacta con ese despliegue unilateral de ideas virtuosas? Ni una pieza tiene un solo bajón de animo, no hay pieza cabizbaja, ni plomiza. El tintineo puerco se hace insistente y colérico fijando una postura muy robusta en el nivel artístico de estos tipos. Se conocía que hendrix era un perfeccionista, no dejaba una pieza malograda, Todas, en este álbum tienen autonomía propia. Sin lugar a dudas este tipo era de Júpiter.

11 – Are You Experienced: Cuando creíamos estar a salvo de las garras de las sustancia ilícitas, volvemos al cíclico y turbulento viaje sónico. Nos atrapan unos evanescentes y asediadas notas. La batería se pierde completamente, todo se vuelve nublado y los sentidos se nos ahogan en una gélida marcha fuera de contraste, Esto no da la pieza, puros alucinantes.

12 – Hey Joe: Una pieza antagónica, esencial y cuasi una de las más influyentes de J.H.  El aire naif está algo salpicado, degollando lentamente vuelve esa energía pero con un nivel mas pausado. El fantasmagórico relato de un tipo que ha matado a su mujer y que huye hacia la frontera lejana de México. Pero, eso sí es notable, Hey Joe suena igual a cada una de estas canciones no sobresale, porque nada aquí puede sobresalir de otro, Aquí cada canción esta marcada con perfeccionismo a un nivel impensable.

13 – Stone Free: Cambia las cuestiones de parecer, rudona al principio, un estribillo pegadizo, pero con el talante solido y añejo. Rueda con un avasallador solo al final de la rola que lo va inmortalizando. Y quizá suene muy reminiscente, pero cada canción no deja de sorprender… Esto es la escuela depura de cómo hay que centralizar toda táctica de tocar.

14 – Purple Haze: Nos encamina al desierto, un golpe nos cae como una baldada de gua fría e innovadora. Lo más sorprendente es que de tantas canciones ninguna suena repetida o alguna a relleno para encuadernar el álbum. Lo que deja pensar, que este disco no Salió por la repentina y apresurada decisión de vender algo fresco, sino por demostrar quien era el Dios en la Tierra.

15 – 51st Anniversary: Una de las mejores piezas se acerca con aire agitado y cambiante. ¿Quizá habla del matrimonio y su importancia? No, creo Mas bien de los años que puedes perder por tomar una mala decisión en cuestiones tan formales como el casarse. Pero, como muchos, aún no estarán listos para contraer semejante acuerdo, prefieren pasar el rato, ¿no? Y quizá otros por llegar a celebrar el 51 Aniversario de compromiso conyugal. Una pieza única, de talla magnética y forjada de acero y estaño.

16 – The Wind Cries Mary: ¿El viento puede Gritar Mary?….. Cuando todo se a ido y se ha alejado y queda un susurro de recuerdos oxidados y una pequeña gaveta que encierra toda esa carnosidad de lo que una vez fue una vida, una vida que disfrutaban juntos… Esta pequeña balada tiene su ceño fruncido y duro, algo carcomido por la triste letra que destapa, pero ni aquí se detienen los suntuosos bombos.

17 – Highway Chile: Desde el principio a fin no hay ningún desperdicio en cada canción del gran Jimi! Ésta, para mí considerada como la mejor canción del álbum, encerrando este disco en una lista de puro acero garafateado permanentemente en el estante del rock y digno a respetarse por los siglos. Abre uno de los mejores Riffs Creados por este peludo amigable, con esa proporción casi milimétrica de Pasión-Técnica-Virtuosismo-Feeling. La química es absorbente, te envuelve en una ola de pomposidad ingenua y sin darte cuenta te estremece con los mejores momentos del álbum “1:48-2:13” Uno de los mejores solos empapados de histriónicos y sublimes carices que jamás se hayan hecho en la guitarra. Así perpetuando uno de los mayores discos que se dieron en los años 60s.

Y qué más faltaba, una Portada Arrogante como la que tiene el álbum, simplemente soberbio. Esos trajes rarísimos y esas miradas lánguidas y algo pachecas (Marihuaneras) que nos velan con ese punto inflexivo de seguridad.

Hoy en día muchos están acostumbrados a sintetizadores, samples y cajas robóticas de percusión, y me parece genial que se siga haciendo, pero seamos claros… algún día habrá un álbum que se compare a la majestuosidad de carrusel de ¿Are You Experienced? Yo, creo que ni todo el material Postmortem de hendrix siquiera toca y rasguña el tracklist empapelado aquí! 

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 Un disco, de valor es inmenso, su líne-up Grande, y para hacer más grande la monta, Un Debut! Fíjense bien, un simple debut. Esa hora que marco Hendrix y Compañía fue un monstruo de riffs totalmente distintos, de velocidades totalmente inalcanzables de esa desplumada cara sucia del Rock!  El disco Cumbre Del rock, y de todo el naciente heavy metal…..

Obligatorio para cualquiera!!!!!!!

Descargar: (http://thepiratebay.sx/torrent/5872059)

Nota: 10 DORADO!!!!